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영국 내셔널시어터 <인터 알리아>

영국 공연예술의 심장

판사이자 엄마, 두 역할의 위태로운 삶을
내셔널시어터 무대에서 밀도 있게 그려 내다.

National Theatre <Inter Alia>

At the Heart of the British Performing Arts

Play <Inter Alia> - There is a judge who is also a mother.

Her life in jeopardy unfolds intensely on stage at the National Theatre.

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영국 내셔널시어터는 런던 사우스뱅크, 템스강을 마주보는 요지에 자리한다. 바로 옆에는 영국영화협회BFI가 있고, 런던아이, 사우스뱅크센터, 테이트모던 등 주요 문화 명소가 밀집해 관광객과 시민 모두에게 친숙하다. 내셔널시어터는 1963년 로런스 올리비에가 창립했고, 1976년 올리비에극장을 시작으로 순차적으로 개관했다. 건축가 데니스 라스던이 설계한 브루탈리즘 양식의 대표작으로, 영국 문화유산으로 지정돼 있다. 극장 내부는 세 개의 주요 공연장으로 구성된다. 올리비에극장(약 1,160석), 리틀턴극장(약 890석), 도프먼극장(약 400석)으로 대형 스펙터클부터 실험적 소극장 공연까지 아우를 수 있는 인프라를 갖췄다. 내셔널시어터는 일상과 예술이 맞닿는 열린 공간으로 기능하며, 영국을 대표할 뿐 아니라 유럽에서도 손꼽히는 공연예술의 중심지로 자리 잡았다.

The National Theatre is located at the South Bank of London facing the Thames, which is a great location for a theatre. Just nearby, you can also find major cultural spots such as the BFI, London Eye, Southbank Centre and Tate Modern. So both tourists and local residents feel familiar with the area. The Theatre was founded in 1963 by Laurence Olivier and it opened its spaces one by one, starting with the Olivier in 1976. Designed by architect Denys Lasdun, the Theatre represents the Brutalist style and has been listed at Grade II in the UK. The Theatre has three spaces: the Olivier (about 1,160 seats), the Lyttelton (about 890 seats) and the Dorfman (about 400 seats). These spaces enable the Theatre to present a wide range of performances including large-scale, spectacular ones and smaller, experimental ones. It is an open venue where daily life and art meet. It is not only Britain’s representative theatre but also one of Europe’s major venues of the performing arts.

현대의 모성과 남성성을 정면으로 응시한 뜨거운 신작

<인터 알리아>는 2025년 7월 23일 개막해 9월 13일까지 리틀턴극장에서 공연되었다. 〈프리마 파시〉의 성공으로 주목받은 극작가 수지 밀러와 연출가 저스틴 마틴의 신작으로 주인공 제시카 역에는 세계적인 배우 로저먼드 파이크가 캐스팅되어 내셔널시어터 데뷔 무대를 장식했다. 평균 100파운드 내외의 다소 높은 티켓 가격에도 초연부터 전 회차 매진을 기록했고, 올해 웨스트엔드 재공연이 확정되며 작품성과 흥행성을 동시에 입증했다. 9월 4일부터 ‘NT Live’를 통해 일부 국가의 시네마 상영으로도 만날 수 있게 되었다.
Inter Alia는 라틴어로 ‘among other things(그 밖의 여러 것들 가운데)’라는 법률용어다. 작품 안에서는 ‘판사’ 라는 직업적 정체성 이외에도 아내, 엄마, 동료, 친구 등 여러 역할을 동시다발적으로 감당하는 현대 여성의 삶을 상징한다. 또한 이 극의 주요 배경이 되는 사법 시스템은 오래도록 남성 중심으로 설계된 제도였다. 여성 법조인의 진입은 20세기 중반 이후에야 본격화되었고, 오늘날에도 영국·웨일스 사법부의 여성 판사 비율은 절반에 미치지 못한다. 해당 연극은 이런 제도적 토대 위에서 여성 판사가 권위를 ‘획득’해야만 하는 현실과 내적 부담을 응시한다.

첫 장면부터 강렬하다. 아들은 드럼을, 남편은 기타를 연주하고, 제시카는 영국 판사의 전통 복장을 무대적으로 재해석한 의상을 입고 로커처럼 마이크를 쥐고 리프트에 올라 등장한다. 권위의 이미지와 록 퍼포먼스의 충돌이 관객에게 강한 첫인상을 남긴다. 무대는 겉으로는 완벽해 보이는 가정을 상징한다. 세밀하게 꾸며진 집은 우주선 모듈 혹은 파스텔 톤 캡슐처럼 보여 전체적으로 인공적이고 비현실적인 분위기를 자아낸다. 제시카가 엄마이자 아내의 자리로 돌아올 때, 뒤편 세트가 전진해 집의 형태를 만드는데 마치 우주선이 도킹하듯 다시 결합되어 균형의 회복과 위태로움을 동시에 암시한다. 아들이 자신의 죄를 고백하는 순간, 집은 왼쪽·오른쪽·상부 세 조각으로 갈라져 그간 완벽하게 유지된 삶이 산산이 조각나는 제시카의 심리를 시각화한다.

A Hot New Production Gazing at Today’s Maternal

Love and Masculinity

The play <Inter Alia> met its audience at the Lyttelton from July 23 to September 13, 2025. It is a recent production by writer Suzie Miller, who drew attention with the success of <Prima Facie>, and director Justin Martin. World-renowned actress Rosamund Pike was cast as Jessica to make her debut on stage at the Theatre. Despite its relatively high ticket price (around 100 pounds), all the shows of the play were sold out and it will also be in the West End soon. All this proves the quality and popularity of the production. Plus, from September 4, audiences in some countries can even enjoy the performance through NT Live screenings.
Inter Alia is a legal term meaning “among other things.” In the play, the term symbolizes the life of a modern woman who juggles multiple roles such as a wife, mother, colleague and friend in addition to her professional identity as a judge. In fact, the legal system depicted in the play has long been male dominant; women had professional access to the system only after the mid-20th century. Even today, women judges make up less than half of the judges in the English and Welsh legal system. The play gazes at the reality and inner burden of women judges who “must” gain authority within such a system.
The very first scene of the play feels quite intense. Jessica’s son plays the drums and her husband, the electric guitar. Jessica is wearing a traditional robe for British judges, which is reinterpreted for the stage. Just like a rock star, she appears on a lift, holding a microphone. Such a conflict between the image of authority and a rock performance leaves a strong first impression for the audience. The stage symbolizes a home that looks perfect from the outside. The meticulously decorated house looks like a service module or a pastel-colored space capsule, which feels somewhat artificial and unrealistic. When Jessica returns to her place as a mother and wife, the stage set at the back comes forward to reassemble the house, something you would see during spacecraft docking. This seems to illustrate how the family regains its balance which is actually quite precarious. When her son confesses to a crime, the house is divided into left, right and upper parts. This seems to visualize the psyche of Jessica who sees her perfectly maintained life shatter into pieces.

정의와 모성, 그리고 ‘심판’과 ‘심판받음’의 이중성

작품의 핵심은 정의와 모성의 충돌이다. 성폭력 사건에서 늘 피해 여성의 편에 서던 판사 제시카는, 가해자의 엄마로서 자신의 아들을 마주한다. 그는 법을 이용해 아들의 죄를 덜어 주고자 하지만, 아들은 죄책감 속에서 자수를 선택하고 집을 떠난다. 이때 무대 뒤편의 놀이터가 전면으로 이동하며, 제시카는 아이를 잃어버렸던 과거의 기억으로 회귀한다. 이번에는 정말로 아들을 잃을지도 모른다는 공포가 극대화된다. 천진한 어린 시절의 해리와 에이미의 모습이 아역배우들의 등장과 함께 그려지며, 유년의 순진함과 청소년기의 어둠이 비극적으로 대비된다.
여기서 작가인 수지 밀러가 강조한 지점이 선명해진다. 제시카는 타인을 ‘심판’하는 판사이면서 동시에 사회·가정·자기 자신에게 ‘심판받는’ 존재다. 법정의 냉정한 목소리와 집에서의 내밀한 목소리가 겹겹이 공존하고, 작품은 그 내부의 균열을 끝까지 밀어붙이며 드러낸다.

Duality between Justice and Maternal Love,

between Judging and Being Judged

In a nutshell, the play is about a conflict between justice and maternal love. As a judge, Jessica used to be on the side of women who fell victim to sexual violence. Now, she faces her own son as an offender’s mother. She tries to make use of the law to keep her son from being punished. But feeling guilty, he chooses to confess to a crime and leaves home. Then the playground at the back of the stage moves forward and Jessica goes back to her past moment when her son got lost. This maximizes her fear of losing him definitely this time. On stage, child actors depict the time when Harry and Amy were much younger. The innocence of childhood tragically stands in contrast with the darkness of adolescence.
Here, you can see clearly what Suzie Miller is trying to say through the play. That is, Jessica is a judge who judges others but at the same time, she is also someone judged by society, her family and herself. A cold voice in court and an inner voice at home coexist in multiple layers. And the play tells us how far someone’s inner crack could go.

무대적 모티프와 동시대성

작품을 관통하는 모티프는 아이를 잃을지도 모른다는 공포다. 초반에 반복 등장하는 작은 노란색 파카는 인형극처럼 활용되며, 끊임없는 불안과 상실을 상징한다. 실제 아역배우는 후반부에야 등장하고, 그전까지는 마임과 그림자극이 아이의 존재를 대신한다. 엄마는 아이가 어릴 때는 길을 잃을까(물리적 실종), 청소년이 되면 나쁜 일로 무너질까(도덕적·사회적 붕괴) 두려워한다. 작품은 이처럼 다양한 결의 ‘잃어버림’의 불안이 드리운 그림자를 선명하게 포착한다.

한편 작품은 오늘의 현실과도 공명한다. 영국·웨일스 청소년 사법 통계(2023–2024)에 따르면, 법원 형사처분 아동은 약 1만2천여 명(전년 대비 8% 증가), 첫 유입자의 84퍼센트가 소년으로 나타났다. 같은 기간 청소년 성범죄는 약 47퍼센트 증가했다. 또한 법조계에서는 돌봄 책임의 성별 격차가 여전히 존재한다. 이러한 수치는 작품이 겨냥하는 부모·자녀·사회현상의 이야기가 결코 추상이 아님을 뒷받침하며, 연극은 동시대 사회의 불편한 진실을 무대 위로 불러낸다. 극 중 이 대사는 공연이 끝난 뒤에도 긴 여운으로 남는다.

“어쩌면 우리는 우리가 생각하는 만큼 자식을 알지 못한다.”

Theatrical Motif and Contemporariness

The motif penetrating the play is a fear of losing one’s child. At the beginning, a yellow puffa jacket appears repeatedly just like in a puppetry show, symbolizing ceaseless anxiety and loss. The child actor appears toward the end of the play and before that, his existence is replaced by mime and shadow play. When he is a child, his mother is afraid that he may get lost (physical loss). When he is a teenager, she is afraid that he may collapse for some bad reason (moral, social collapse). The play clearly illustrates the shadows thrown by such multiple fears of loss.

In the meantime, the play also resonates with today’s reality. English and Welsh youth justice statistics (2023–2024, Ministry of Justice) indicate that about 12,000 teenagers (an 8% increase from the previous year) were subject to criminal punishment in court and that 84% of the first-time offenders were boys. During the same period, cases of sexual violence involving teenagers increased about 47%. In legal circles, a gender discrepancy still exists for childrearers. Such statistics support the idea that the story of parents, children and social phenomena told in the play isn’t something abstract at all. Indeed, the play brings to stage our contemporary society’s inconvenient truths. The following line stays with us long after the end of the play.

“Maybe none of us know our children as much as we think.”

글. 정효정 극단 낭만씨어터(Nangman Theatre) 단장. 현재 영국과 사우디를 오가며 공연 및 문화 교류 활동을 이어가고 있다.

사진. Manuel Harlan (National Theatre), 정효정

By Hyojung Jung Hyojung Jung is the artistic director of the Nangman Theatre. Going back and forth between the UK and Saudi Arabia, she keeps working on the performing arts and cultural exchange.

Photo by. Manuel Harlan (National Theatre), Hyojung Jung